Загальні тенденції класичного танцю та його місце у стилях бальної, сучасної та народної хореографії

На важливу роль класичного екзерсису біля станка чи балетної станкового гімнастики у фізичному вихованні актора неодноразово вказував К.С. Станіславський: «У прийомах балетної муштри я ще ціную один момент, який має важливе значення для всієї подальшої культури тіла, для його пластики, для загального поставу корпусу і для манери триматися. Справа в тому, що наш спинний хребет, який згинається на всі боки, точно спіраль, повинен бути міцно посаджений у таз - цей центр має важливе значення в балетному мистецтві. Там його вміють розвивати і зміцнювати. Користуйтеся ж цим і запозичують у танцю прийоми розвитку, зміцнення і поставу спинного хребта » [17. с.37]. Спина - це не тільки стійкість під час танцю, але і вся краса вертикальних ліній. Без сильної спини неможливо виконати повороти.

Крім сприяння фізичному вихованню актора класичний верстат переслідує і завдання суто танцювального характеру. Він повинен виробити в учнів основні технічні навички, необхідні для виконання різних танців  
Отже, основне завдання класичного екзерсису біля верстата полягає в тому, щоб шляхом доцільно підібраних, постійно повторюваних тренувальних вправ допомогти учням розвинути тіло і навчитися вільно і пластично управляти своїми рухами [7. с.12].

«Щоденний екзерсис з першого року навчання ... складається з одних і тих же pas », - стверджує Ваганова [5. с.17]. Щоб класичний верстат досяг своєї мети, необхідно домагатися у всіх вправах повної виворотність ніг [7. с.12]. Виворітність - положення ніг, при якому «ступні, розведені пальцями в сторони, йдуть або по лінії плечей, або паралельні їм, і внаслідок цього розкрита внутрішня поверхня (сторона) гомілок і стегон», - непорушний канон класичного танцю, основа всієї його техніки [ 13. с.8].

Без виворітності класичний екзерсис позбавляється своєї ефективності. Тому учні повинні добре засвоїти існуючі в класичному танці п'ять суворо виворітних позицій ніг ​​і надалі при всіх вправах наполегливо домагатися дотримуватися виворітності [7. с.12]. Дуже велике значення надавав виворітності ніг Станіславський. Заперечуючи тим, хто протестує проти «вивертання ніг у стегнах» на заняттях з майбутніми драматичними акторами, Станіславський казав: «Кожному акторові доведеться виконувати ролі не якої-небудь однієї епохи, а різних, не якої-небудь однієї, а багатьох національностей, різного віку, станів та ін. Знайти безглуздий, характерний постав ніг, рук і протримати його протягом характерної ролі коміка або побутової ролі легше, ніж виправити собі ноги і руки для ролі графа чи герцога XVIII століття, або аристократа XIX століття. Ось тут потрібна велика, серйозна, важка виправка всього тіла. Для цього потрібен час. Ось це як саме важке і довго здійсниме завдання ми і ставимо в основу тілесного виховання. Впораємося з нею - усі інші завдання виправки здадуться легкими»[17. с.427].

Від правильної постановки ніг, корпусу, рук, голови багато в чому залежить розвиток технічної майстерності танцівника. Система класичного тренажу вимагає виконання всіх позицій (позиція - положення, що фіксує початок чи закінчення руху) і вправ з гранично виворітні положенням ніг. У класичному танці прийняті п'ять позицій ніг, виконувані таким чином, що ноги як би вивернуті назовні (звідси термін «виворотності»). Мова йде не про те, щоб повернути тільки ступні пальцями в різні боки, повернута повинна бути вся нога, починаючи з стегнового суглоба. Оскільки це можливо тільки при достатній гнучкості, танцівник повинен вправлятися щодня і довго, щоб навчитися без зусиль приймати необхідне положення.

Виворітність необхідна не тільки для поліпшення техніки танцю - вона надає руху витонченість і гармонійність.

Виворітність - термін, що позначає одну з найважливіших, професійних якостей артиста балету. Виворітність необхідна для танцівника при виконанні будь-якого сценічного танцю (особливо - класичного). Крім того, виворітність сприяє чистоті пластичних ліній рухів ніг, робить невидимими кути, утворені п'ятами при підніманні ніг і т. д.

Окрім дотримання виворітності необхідно також, щоб всі вправи біля станка виконувалися в повну силу. «Треба, щоб працюючі м'язи до кінця напружувалися, інакше ефективність вправ дуже знижується, і м'язи не набувають необхідної фортеці» [14. с.17]. Це правило обов'язково і для екзерсису біля станка. Усі вправи класичного екзерсису повинні робитися абсолютно точно і чітко, при повній напрузі працюючих м'язів і суглобів.  
Дуже важливо, вводити до вправи екзерсису біля станка нескладні рухи рук, корпусу і голови. Такий екзерсис значно допоможе розвитку свободи і пластичності рук, які у танцювальному мистецтві служать найважливішим засобом зовнішньої виразності. Подібні комбіновані вправи будуть виробляти в учнів навички координації рухів різних частин тіла.  
Повсякденний досвід показує, що екзерсис біля станка може повністю відповідати всім вимогам класичного канону і в той же час залишатися механічним, формальним. Тим часом у ньому беруть участь основні компоненти танцювальної виразності - руки, корпус і голова. Тому у класичних вправах слід домагатися емоційності, гармонійності і координації рухів, їх відповідності змісту музики, танцювальність всього виконання [7. с.13]. Тут доречно навести слова однієї з учениць Ваганової про розучуванні екзерсису на її уроках: «Як і всякий інший урок класичного танцю, урок Ваганової починався з екзерсису у палиці. Першим рухом було рlie (присідання), але вже і тут, як і в усьому Вагановського екзерсисі, не було нічого механічного. З самого початку уроку і до кінця його панував танець: і в рухах голови, гнучкості та швидких поворотах корпусу, і в пластиці «співаючих» рук ». Зрозуміло, що виразність класичного екзерсису біля верстата не повинна приводити до манірності та штучної пластики [5. с.75].

Предмет “класичний танець” по праву вважається головним в процесі підготовки спеціалістів-хореографів любого профілю. Перш ніж розглянути побудову уроку класичного танцю, необхідно зосередити увагу на тому, що поряд з вивченням основних рухів екзерсису біля опори, на середині зали та стрибків обов'язково треба розвивати на кожному уроці в учнів свідоме вдумливе відношення до занять, щоб вони брали активну участь в уроці і знали на що особливо потрібно приділити увагу в тому чи іншому русі. Завдання педагога - привести танцівників до єдиної виконавської манери, яка поєднує у собі чіткість постанови корпусу, канонічність поз, бездоганність техніки рухів, чистоту виконання. Водночас, при уявній однаковості виконання, педагог повинен побачити і розкрити індивідуальність учня

[2.c. 10].

2.1. Значення класичного танцю у хореографічному вихованні

Класичний танець  самостійно та безперервно розвивається, втілюючи у собі багатовіковий досвід балетних шкіл усього світу. У ньому є все - досконалість форм, віртуозність обертань, витонченість жанрово-побутових образів, життєві фарби, ігрова виразність польотів і зупинок, стрибків і падінь. Класична хореографія виховує як танцюриста, так і глядача, закладає естетичні основи моральності, краси. Спадщина класичного танцю важлива, не тільки тому, що вона сама по собі цінна, естетична, абсолютна, саме вона багато в чому визначає пошуки нових шляхів, нові відкриття, знахідки - це відправна точка більшості сучасних танцювальних напрямків. Саме тому навчання танцям, на наше глибоке переконання, має починатися саме з основ класичної хореографії.

Здавалося б, вчимо нове «сучасне» навіщо нам вчити те, що було до нас, але усі новаторства по суті, одночасно глибоко і тонко пов'язані з традиціями. Потрібно пам'ятати, що всі нові течії це ні що інше, як синтез хореографічної спадщини різних часів і народів минулих років. Все нове це звичайно здорово, але не слід втрачати те, що називають «силою радянської хореографічної школи», а слід знати так, як абетку, без якої мистецтво хореографії неможливо. Слід страхувати себе від неминучих втрат, які з роками стають все більш значними. За кордоном платять колосальні гроші за те, щоб навчатися російській класичній школі. Там не втрачають часу дарма, не упускають жодної слушної нагоди і знімають усе, що вдається побачити: уроки, репетиції, вистави, а ми часто діємо безгосподарно, легковажно, не цінуємо тими цінностями, якими володіємо. Я не говорю про те, що кожен сюжет, кожна тема повинна виражатися винятково класичними танцювальними формами. Рух мислителя не як абстрактний знак, «підійшов» до даного танцювально-смислового контексту, а як неповторний єдино виправданий образно-пластичний спосіб вираження даного змісту [16.].

Скажу про те, що танець не тільки тішить, але й також приносить користь глядачам, добре їх виховує, багато чому навчає. Танець витончує погляди красивими видовищами, захоплюючи слух найчарівнішими звуками і показуючи прекрасну єдність душевної та тілесної краси. Мистецтво класичної хореографії незамінне в якості підготовки для тих, хто хоче освоїти будь-який з численних видів танцю. Заняття хореографією дуже важливі і корисні не тільки для тих, хто прагне до вершин балетного мистецтва. Вони незамінні в якості підготовки для тих, хто хоче опанувати будь-який з численних видів танцю. Хореографія допомагає в боротьбі з м'язовими болями, проблемами з хребтом, виправленням дефектів ніг, постави. Класика - це основа будь-якого танцю, без цієї основи не буде максимальної виразності танцю. Людина, яка займається хореографією, завжди вигідно відрізняється в натовпі «простих обивателів» стрункістю, підтягнутістю, витонченістю і грацією у рухах.

«Її постава видавала в ній балерину ...» - писав в одному зі своїх творів Ернест Хемінгуей. Зрідка в буденній суєті ми помічаємо чоловіків або жінок, які одній лише манерою правильно триматися створюють про себе беззастережно позитивне враження. Ще не заговоривши, будучи ще зовсім невідомими персонами в суспільстві, з легкої і граціозною ходою, що виділяється з натовпу, пливуть вони серед нас, викликаючи захоплені вигуки або заздряще мовчання [6. c.53].

Танець - мистецтво пластичне. Тіло виконавця є засобом вираження ідей, думок, змісту танцювального твору. Тому, чим краще він буде ним володіти, тим вірніше, яскравіше й виразніше стане його танцювальна мова [11. с.25].

Говорячи про культуру виконання танцювальних постановок учасниками самодіяльних колективів, ми маємо на увазі під цим поєднання виразності виконання, музикальності, свободи і закінченості жесту, танцювальної техніки. Регулярно проводені навчально-тренувальні заняття є неодмінною умовою творчих успіхів колективу. Без цих занять, обмежуючись тільки роботою над репертуаром, не можна добитися високої танцювальної техніки, виразного виконання. Відсутність тренувальних вправ, перш за все, відбивається на техніці виконання: рухи рук танцюристів будуть одноманітні, скуті, позбавлені виразності. Неправильне поставлене дихання завадить добре провести весь танець: ще до середини його виконавці почнуть втомлюватися, видихатися, особливо якщо танець йде у швидкому темпі, і до кінця неминучий значний спад в його емоційній насиченості. Зовсім по іншому буде виглядати танець у виконанні колективу, в якому систематично проводяться навчально-тренувальна робота. Уміння володіти своїм тілом, чіткість виконання, правильно поставлене дихання і треноване серце дадуть можливість танцюристам виконати танець з усіма його характерними особливостями, не тільки, не знижуючи загального тонусу, але, навпаки, підвищуючи його до повної кульмінації [16 с.54]. Під час навчальних занять необхідно приділяти велику увагу роботі над корпусом, головою і руками, домагатися виразності і пластичності виконання, розвивати координацію всіх частин тіла і опановувати технікою танцю, як складовою одного з основних засобів акторської виразності [7. с.25].

Як писав Леонардо да Вінчі. «Роби фігури з такими жестами, які досить показували б те, що коїться в душі фігури, інакше твоє мистецтво не буде гідне похвали». Жест служить одним з основних засобів акторської виразності. Доцільний і внутрішньо виправданий жест, доповнюючи або замінюючи слово, допомагає яскравіше розкрити внутрішній зміст образу та його ставлення до дії, що відбувається; «... в мистецтві Терпсихори руки замінюють часом людську мову мистецтва драми».

Щоб опанувати майстерність сценічного жесту, перш за все, необхідно розвивати м'язи і суглобово-зв'язковий апарат рук, особливо кистей і пальців. К. С. Станіславський називав кисті рук «очима тіла». [13 с.35]. Якої виразності можуть досягати рухи кистей і пальців руки, супроводжувані відповідним виразом очей, найяскравіше показує безмовна сцена, описана Станіславським у книзі «Робота актора над собою»: «... розмова відбувалася за допомогою рук. Вони зображували цілі епізоди з колишнього життя. Хтось кудись крався і ховався. У цей час інший його шукав, знаходив, бив. Після цього перший тікав, а другий його переслідував і наганяв. Все це знову закінчувалося колишніми докорами, іронією, попередженнями, переданими одними пальцями ».

Виконавська культура танцю зводилась до п'яти основних положень.  
1. Всі види сольних танців, а також танці-ігри, мисливські та військові танці передбачали обов'язкову наявність в них змісту, тобто драматургічної основи.

2. Зміст, що лежить в основі  будь-якого танцю, повинен був бути донесеним до глядача в реалістичній формі. Умовність або символічність пантоміми або танці не приймалася глядачами.

3. Народ не байдуже ставився  до техніки танцю, а, навпаки, високо  її цінував і вимагав від  виконавців високої майстерності. Однак техніка повинна була  бути не самоціллю, а засобом  найбільш переконливою передачі змісту танцю.

4. Глядачі високо ставили індивідуальність  танцюючого, звану «витівкою», тому  механічне виконання танцю не  визнавалося.

5. Нарешті, одне з головних вимог  до танцювального мистецтва - виразність  виконання, яке вважалося вчиненим  лише в тому випадку, якщо кожен рух в танці був зрозумілим і доходив до глядачів. Наявність змісту, реалістична форма його відображення, індивідуальність і виразність виконання, а також висока техніка танцю були тими установками, на яких будувалася і розвивалася танцювальна культура [4. с.10].

Діапазон виконавської техніки в танці дуже великий. Це дає можливість балетмейстерові створювати найрізноманітніші хореографічні композиції, подібно до того, як у музиці на основі прийнятого звукоряду композитор будує найрізноманітніші звуковисотні зв'язки. Інакше кажучи, виражальні засоби дозволяють балетмейстеру створювати твори різного змісту і форми: від невеликих концертних етюдів до спектаклів.