Анализ авангардного искусства и решения пространства на выставке: "ДИОР: под знаком искусства"

За счет контрастности  цвета и дробности форм – посыл картины «Композиции VII»  мощный и взволнованный.

В своих произведениях В. В. Кандинский творит новую реальность, не имеющую ничего общего с окружающим нас миром. Но в этой новой реальности ощутим весь сложный, исполненный великих потрясений духовный мир человека начала XX века.

 

 

Выводы по главе 1

 

В процессе выполнения работы затронуты вопросы возникновения авангардных течений в целом, и в частности зарождение и развитие абстракционизма. Исходя из этих исследований, становиться понятно, что авангардное искусство - направленно не на удовлетворение эстетических ценностей публики, а на преобразование её сознания новыми образами. Авангард это не только искусство. Это некий род творческой деятельности, являющийся и искусством, и политикой, и философией, и публицистикой, и наукой, и религией и еще много чем. Цель этой деятельности - построение утопии путем радикального изменения мира, для чего нужно радикально изменить сознание населения. Именно поэтому авангардизм применяет такие тяжелые методы, как шок, эпатаж и скандал - так надежнее и быстрее пробиться к сознанию - и вовсе не потому, что так легче прославиться, в чем часто обвиняют авангардистов. Задача авангардиста - все время держать потребителя в напряжении, заставлять думать и задаваться при взгляде на очередное произведение вопросом: «Что это такое?».

На рубеже XIX-XX веков, когда жизнь переходит на новый безумный ритм, классическое искусство уже не может полностью отразить все аспекты реальности - столь динамичной и многогранной. Художники-авангардисты уходят от изображения, копирования внешних форм к проявлению собственного ощущения жизни, однако, эти образы не всегда понятны зрителю.

Авангардные картины  сложны для анализа - в них почти всегда отсутствует сюжет, сложно однозначно определить: о чём картина, и что этим хотел сказать художник. Одна из основных задач авангардных мастеров вызвать при первоначальном взгляде на произведение, определённое чувство, зачастую - шок, недоумение. Само это чувство заставляет задумываться об окружающем нас мире - таком же непонятном, абсурдном и лишь на первый взгляд простом. Таким образом, художник проводит не зримую параллель между искусством и окружающим нас миром. Картина с минимальным количеством изображённых деталей может нести сложный смысл или мощный эмоциональный заряд. Такие произведения рассчитаны именно на то что бы в первую очередь, вызвать отклик в душе человека, эмоции и переживания.

Как правило, в картинах нет глубины пространства, нет  объема, но зачастую плоскость имеет  несколько планов. Эти планы крепко сближены и не нарушают двухмерность холста. Цвет часто локальный, ложиться крупными пятнами. Используются яркие и контрастные цвета. Линия четкая, твердая и безошибочная. Часто звучит ирония, в образах есть некоторая гротескность. Работы получаются декоративными. Архитектурные формы изображаются условно, в композиции могут совмещаться разные точки зрения. Перспектива для художников этого периода не так важна, важно то, как художник может обыграть свою реальность и показать ее миру.

Творчество авангардистов  имеет экспериментальный характер. Ведутся постоянные поиски изложения. Экспериментируют с различными стилевыми  приемами, с материалом. Нет никаких определенных канонов, по которым правильный художник должен действовать, есть только безграничное поле для воображения и экспериментов.

Не каждый человек  способен адекватно воспринимать авангардное  искусство, но это - не причина отрицать его, не считать искусством вовсе. Авангард занял в истории искусства  свою не последнюю роль. Художник смог показать свою свободу, произведя акт "чистого искусства", создания картины как таковой, созданной умом, не привязанной к объекту.

Никогда прежде европейская  культура не знала такого многообразия течений, направлений, художественных систем, индивидуальных стилей. Авангардисты значительно обогатили язык искусства, предложили широкий спектр новых идей. Вот еще примеры великих мастеров: П. Пикассо, А. Матисс, К. С. Малевич, М. З. Шагал, С. Дали и др. При всём многообразии индивидуальных стилей, совместными усилиями они разработали новую художественную систему, в основе которой не подражание природе, а творческое самовыражение художника. Авангардисты приучили публику к острым, неожиданным эстетическим впечатлениям, к активному соучастию в восприятии художественных произведений, к «интеллектуальной игре». Они стали подлинными первооткрывателями искусства современности.

Утопию авангардизм, конечно, не построил. Но в изменении мира в лучшую сторону поучаствовал – мир стал более открытым, свободным и веселым. У авангардизма были для этого возможности – несмотря на всю непонятность для широких масс этого рода деятельности, миф об авангардисте, раскованном и парадоксальном, все-таки действовал на эти массы.

Вообще в XX веке художник-авангардист был культовой фигурой, наряду с другими культурными культовыми фигурами - киноартиста и рок-звезды. А уж без формальных решений авангардизма, как раз менее ценимых им, представить современный мир вообще невозможно. Все современные языки - архитектуры, дизайна, рекламы, оформительского искусства - созданы авангардизмом.

К концу XX века это направление практически распалось как нечто единое, - отчасти исчерпав себя, отчасти вытесняемое новой эпохой современного постмодернизма.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ПРОСТРАНСТВЕННЫЕ  РЕШЕНИЯ ВЫСТАВКИ: «ДИОР: ПОД ЗНАКОМ ИСКУССТВА»

 

2.1. Стилевое решение входной зоны

 

В этом году в Пушкинском музее прошла выставка «Диор: под знаком искусства». На выставке были представлены платье, обувь, ювелирные украшения, парфюм дома моды Диор, зарисовки, картины великих художников. Большинство экспонатов – из собственной коллекции дома Dior, некоторые были предоставлены частными коллекционерами. Живопись привезли из Музея Орсэ, Лувра, Версаля, базельского Фонда Байелера, Государственной Третьяковской Галереи, выдали из самого Государственного Музея Изящных Искусств. Выставочное пространство было организовано французскими дизайнерами. Помимо статичных объектов — живописи, графики, иллюстрации, скульптуры, фотографий и вещей — присутствуют видеоролики и различные инсталляции.

Экспозиция начинается с парадной лестницы. Цветной мрамор музея прикрыт нейтральным серым ковром, стены закрыты зеркалами, в расставленных по краям стеклянных витринах стоят манекены в черно-белых костюмах и шляпках. Один из костюмов - с самого первого показа Диора 1947 года, другой сделан спустя 50 лет. По центру лестницы – инсталляция группы Recycle group, сумочка Lady Dior, названная в честь так любившей ее леди Дианы. Показаны этапы превращения твердого камня в идеальную форму. Композиция выполнена из полиуретановой резины, идеальная форма, сумка, покрашена в приятный бежевый цвет. Венчает композицию неоновый логотип Dior, пройдя под которым, попадаешь в главный зал. Освещение входной зоны осуществляется за счет неонового логотипа и за счет подсветки как самих манекенов и инсталляции, так и лестницы, каждая ступенька с правой и с левой стороны подсвечена мягким теплым светом. Освещение входной зоны получается мягким, не ярким. Небольшой полумрак создает впечатление вечернего роскошного мероприятия.

 

2.2. Концепция построения выставки

 

Экспозиция построена  по тематическому принципу и состоит из нескольких разделов. В главном зале разместилась основная часть экспозиции под общим названием «Вальс времени». Сюда куратор выставки Флоранс Мюллер включила объекты, отражающие исторические эпохи и источники вдохновения для Диора и его последователей.

Дизайнер выставки Натали Криньер с помощью зеркал на стенах и потолке превратила залы музея в многогранные пространства, где все множится, сверкает и переливается. К уже существующим мраморным колоннам добавились еще два ряда, в которые вмонтированы прозрачные боксы-витрины со знаменитыми платьями внутри. Платья, таким образом, стали частью архитектуры.

В самом начале главного зала, предваряют «Вальс времени» работы Виктуар де Кастеллан, креативного директора ювелирного направления Dior, появившегося в 1998 году. Они представлены не совсем обычным способом: часть украшений присутствует в виде голографических изображений.

«Вальс времени» разделен на несколько тем, так или иначе присутствовавших в жизни и творчестве Диора. «Тело и линии» рассказывает об архитектуре моделирования, свойственной кутюрье. «Сады Диора» - о саде на вилле в Гранвиле, где рос Кристиан, и о том, как в будущих платьях воплотился образ розы, его любимого цветка. «Балы Диора» - период послевоенных балов, для которых Диор создавал вечерние наряды. «XVIII век» и «Прекрасная эпоха» - исторические периоды, искусство которых повлияло на модельера. Переходя от одной темы к другой, становится понятнее и визуальное вдохновение дизайнеров, и то, как они переосмысляли собственное наследие позже, уже после смерти Диора в 1957 году.

В апсиде главного зала в виде своеобразной инсталляции располагается экспозиция «Бог и золото». Этот дизайнерский шедевр вдохновлен каламбуром Жана Кокто, пошутившего, что фамилия "Dior" заключает в себе слова "Dieu" ("бог") и "Or" ("золото"). Ослепляющие золотым сиянием образы-модели прекрасных женщин-фараонов весенне-летней коллекции 2004 года, экспонируются на фоне подлинного саркофага «Ташет» и других предметов египетской коллекции Пушкинского музея, демонстрируя тем самым явственную связь между традициями искусства Древнего мира и созданиями современных дизайнеров.

Следующий раздел экспозиции получил  название «Вокруг света в Dior». Здесь находятся коллекции платьев разных народностей. Демонстрируя свои модели в разных странах мира, Кристиан Диор должен был прикоснуться к тому, что в каждой стране считалось элегантным. Ему были близки и те страны, в которых он не бывал. При создании платьев модельер по-своему интерпретировал элементы других культур, выражая тем самым свое уважение к различным традициям.

«Ателье, или искусство  высокой моды» - раздел, посвященный ателье Диора, с фотографиями с примерок и набросками. Здесь рассказывается о секретах мастерства модельера - от создания выкройки до появления новой модели в глянце - и наглядно демонстрируется с помощью проекции на белый манекен, как именно Кутюрье закалывают и драпируют платья. Архивные фотографии мастерских дома Dior, рядом с ними холщовые прототипы платьев — такие делаются для каждой кутюрной вещи. Располагаются они на возвышениях, на разных уровнях. Кажется что это статуи, а не манекены. В этом разделе освещение самое яркое. Потолок задрапирован белой тонкой материей, сквозь него пробивается естественное дневное освещение. Манекены на полках также ярко подсвечены лампами. Основной цвет здесь белый, он хорошо отражает свет, и тоже сыграл свою роль в освещение.

Уголок, посвященный знаменитостям, призван воссоздать иллюзию присутствия на красной ковровой дорожке. На большой стене с видеопроекциями фильмов, видеороликов и щелканьем фотокамер, загораются и гаснут звезды. Там же — звезда-талисман самого Диора, которая всегда висела в его ателье на улице Монтень. Вдоль стены размещены платья, которые когда-либо надевали знаменитости для выхода в свет. Вдоль подиума с платьями - красная ковровая дорожка. Звучит французская речь, щелкают камеры, и знаменитости в проекциях на стене ходят в этих самых платьях. Освещение решено за счет видеопроектора, дополнительное небольшое освещение дают звезды, мерцающие по всей стене. Платья, отдельно были подсвечены мягким светом. К сожалению, они были отгорожены от зрителя сеткой, что не позволило в полной степени насладиться красотой нарядов. Но сама идея красной ковровой дорожки воплощена с успехом.

В центре раздела «Магия ароматов Диор» расположена видеоинсталляция Ольги Киселевой «Парфюмерный орган», которая была специально создана для выставки в Москве. Инсталляция представляет собой многоугольник с несколькими входами, символизирующее мир духов Dior: в центре — прозрачные стеклянные флаконы, а по бокам — видеопроекции, на которых появляются то перья, трепещущие под порывом ветра, то яблоко, то книги... тихо звучит музыка. Особое внимание художница уделила материалам природного происхождения, входящим в состав знаменитых духов J'Adore. На примере этого легендарного аромата художница исследует границу между видимым (флаконом) и невидимым (ароматом) и раскрывает секреты его волшебства. В работе Ольги Киселевой видеоинсталляция сочетается с конструкцией, состоящей из стеклянных флаконов и символического дождя из золотых нитей. Освещается помещение только за счет света от видеопроекций. Создается ощущение загадочности, покоя, неспешности, гармонии, какого-то волшебства. Флаконы переливаются и святятся в темноте от света проектора.

С внешней стороны  инсталляции, в нишах, представлены различные флаконы духов от винтажных до современных. Так же в небольших вмонтированных в стены телевизорах идут одновременно несколько рекламных роликов Диор.

 

2.3. Созвучие художественного  искусства и моды дома Диор

 

Чтобы подчеркнуть органичность нарядов, организаторы выставки дополнили  экспозицию полотнами из Лувра, музея Орсэ, Версаля, частной коллекции Диора. В каждом разделе присутствую тематически подобранные художественные произведения, а также работы известных фотографов.

Одной из главных тем  в творчестве Диора является мотив  сада. Он передался и другим художникам его дома.

На фоне «Сада» Ренуара или «Лета в Нормандии» Ван Гога, "Яблоня 2" Густава Климта платье оттенка розовой карамели с драпировкой, похожей на распускающуюся розу. Здесь же - вечерний бледно-зеленый наряд с забавным названием "Салат", над которым в 1960 году работал молодой Сен-Лоран. Оно кажется весьма скромным на фоне цветастого платья Ферре "Эдем" 1992 года, которое словно сошло с итальянских пейзажей Марка Куинна.

Бал для Диора был  олицетворением настоящего счастья. Он создавал великолепные бальные платья для принцессы Маргарет, принцессы  Монако – незабываемой Грейс Келли, и других светских красавиц.

Пышность, переливы и воздушность дамских туалетов подсвечены хрустальными люстрами и оттенены черными смокингами на мужчинах-манекенах. Парча и атлас-дюшес в брызгах стразов и бисерного шитья присоседились к парадным портретам Герцога Орлеанского (Жан Огюст Энгр) и Варвары Римской-Корсаковой» (Франц Винтерхальтер).