Анализ авангардного искусства и решения пространства на выставке: "ДИОР: под знаком искусства"

В целом, ранние работы достаточно яркие импрессионистские картины-этюды, цветистые и «фольклорные» по колориту композиции, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры («Дамы в кринолинах», масло, 1909, Третьяковская галерея). Кандинский работал также в сферах декоративно-прикладного искусства (эскизы женских украшений, мебельной фурнитуры), пластики (лепка в глине), экспериментировал с живописью по стеклу.

М. К. Лакост так описывал этот период в творчестве Кандинского: «Ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы. Порою нелегко бывает понять, почему основатель абстрактной живописи вначале избирал сюжеты, типичные для бидермейера — веера, кринолины, всадники. Стиль его ранних произведений не назовешь ни условным, ни манерным, но в них еще ничего не предвещало радикального обновления живописи. Впрочем, как известно, лишь немногим художникам бывает дано одновременно проявлять оригинальность в форме и в содержании. Сначала Кандинскому было важно испытать собственные возможности выражения. Хотя «Вечеру» (1904 - 1905) нельзя отказать в своеобразии, однако трудно себе представить, что создал ее тот самый художник, который через 5-6 лет произведет на свет первое в истории искусства абстрактное произведение (1910). Какая великая творческая сила должна была действовать в Кандинском! Какая стремительная эволюция с 1908 по 1914 год — от пейзажных картин, хотя и дерзких уже по цвету и форме, но все еще верных наблюдениям натуры, как «Дома в Мурнау на Обермаркт» (1908), до хаотического этюда под названием «Ущелье» (1914) и беспокойных композиций в серии панно «Времена года» в музее Гуггенхейма («Осень»). Было бы затруднительно угадать руку одного и того же художника в еще вполне предметных «Крестоносцах» (1903) и в такой абстрактной работе, как «Композиция VII», 1913, несмотря на общую им динамику. Тут скованный порыв, там — раскрепощенное движение».

1.3. Абстрактное творчество  В. В. Кандинского

В. В. Кандинский - является одним из основоположников абстракционизма, к этому его привели поиски нового искусства, поиски своего стиля  в живописи, смелое использование различных техник. Кроме того, активно занимался теорией искусства и общественной деятельностью.

История современного абстрактного искусства начинается с «Абстрактной акварели» (1910 г. Бумага, карандаш, акварель, тушь; Париж, Национальный музей современного искусства) Кандинского.

В 1910 году художник-теоретик также завершил трактат, озаглавленный "О духовном в искусстве". С этого момента и живописное, и теоретическое, и поэтическое творчество великого мастера было подчинено одной цели - осмыслить и выразить открывшийся ему новый духовный опыт, рожденный ХХ веком.

Выдвинув в качестве основополагающего фундамента искусства  его духовное содержание, Кандинский полагал, что сокровенный внутренний смысл полнее всего может выразиться в композициях, организованных на основе ритма, психофизического воздействия цвета, контрастов динамики и статики.

К своим абстрактным  построениям художник пришел от натурных пейзажей; преодолев их реалистичность, он создал новый внефигуративный  мир, перешел от изображения внешних форм мира к их внутреннему содержанию. Мастер стремился выразить свои ощущения не предметными формами через тот или иной сюжет, а живописными средствами. Он добивается определенного эмоционального отклика зрителя только при помощи цвета, линии и абстрактной формы, развернув в пространстве картины напряженный живописно-пластический процесс и достигнув абсолютной цельности и завершенности художественного образа. Сюжетная основа, без которой немыслимо фигуративное искусство, здесь отсутствует.

Наделенный острой и  тонкой чувствительностью, Кандинский верил, что мир являет собой гармоничное целое, в котором свойства разных феноменов тесно соотносятся друг с другом. Одни и те же эмоции могли быть вызваны у человека различными образами, принадлежавшими к разным сферам жизни, культуры, искусства. Ритм, эмоциональное звучание цвета, экспрессия линий и пятен его живописных композиций были призваны выразить мощные лирические ощущения, сходные с чувствами, пробуждаемыми музыкой, поэзией, зрелищем прекрасных ландшафтов. Ко всем беспредметным композициям Кандинского применимо метафорическое сравнение с ожившей в красках музыкой; носителем внутреннего смысла становилась в них колористическая и композиционная оркестровка, осуществленная средствами абсолютной живописи - цветом, точкой, линией, пятном, плоскостью, контрастным столкновением красочных пятен.

Кандинский считал, что "предмет (реальный: человек, дерево, облако) есть как бы только реальный привкус, призвук, аромат в композиции", поэтому  нет необходимости в его точном воспроизведении. Живопись воздействует цветом и формой. Форму художник понимал как распределение плоскостей и линий, соотношение которых выражает движение. Цвет берет на себя основную нагрузку не только в области эмоциональной окраски произведения, но и в построении композиции. А форма то находит свои предметные очертания, то освобождается от них. Пример, картина "Озеро" (1910, холст, масло, Государственная Третьяковская галерея).

Вообще цвет в искусстве была одной из интересовавших его тем. Кандинский изучал взаимосвязь цвета с формой. Форма может быть любой, но цвет не может существовать в качестве независимого от формы элемента. Кандинский считал, что каждый цвет выявляет определенный характер движения. Например, желтый акцентирует активное движение к зрителю и соответствует треугольнику. Красный проявляет только движение внутри себя. Это цвет "внутреннего кипения", и он воспринимается в форме квадрата. Синий выражает движение от зрителя, т.е. составляет полный контраст желтому, и его свойства созвучны кругу.

Абстрактные полотна группировались художником по трем циклам: «Импрессии», «Импровизации» и «Композиции». Импрессия – выражение непосредственных впечатлений от натуры, или "внешней природы". Импровизация – выражение процессов внутреннего характера, возникающее внезапно, главным образом бессознательно. Это впечатление от "внутренней природы". Композиция – синтез впечатлений от "внешней" и "внутренней" природы.

Большое внимание художник уделял графике, в особенности гравюре на дереве. Экспрессивно-беспредметные графические  композиции украсили немецкую книгу  стихов Кандинского «Звуки».

С началом войны Кандинский, российский подданный, вынужден был покинуть Германию. Возвратившись на родину, он поселился  в Москве. Его живописные работы предреволюционных и революционных  лет обладали широким стилистическим диапазоном. Художник продолжал создавать экспрессивно-абстрактные полотна, но они стали более тревожные и драматичные («Смутное», Третьяковская галерея, «Сумеречное», Русский музей, обе 1917; «Белый овал», 1919, Государственная Третьяковская галерея). Художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи («Москва. Зубовская площадь», «Зимний день. Смоленский бульвар», обе 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий живописью на стекле ("Серый Овал", 1917 г, роспись на стекле, Екатеринбург, Художественная галерея), а также создавал картины, сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное начало («Москва I. Красная площадь», Государственная Третьяковская галерея; 1916).

В 20-е гг в живописи и графике Кандинский обратился к воплощению своеобразных космологических фантазий, интерес к которым возник у него еще в России (графическая серия «Малые миры», 1923, Мюнхен, Городская галерея в Ленбаххаузе). Произведения обретают в этот период более рационально - геометричный характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность («В черном квадрате», 1923, Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Тринадцать квадратов», 1930, Национальный музей современного искусства, Париж). В 1924-25 вместе с художниками Л. Фейнингером, А. Г. Явленским, П. Клее вошел в объединение «Синяя четверка».

В 1920-е гг. художник достигает всемирного признания, его персональные выставки и выставки «Синей четверки» прошли во многих музеях и галереях в странах  Европы и США.

В 1933 году переехал во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. На творчество парижского периода, получившее наименование «синтетического», повлиял сюрреализм. Теперь Кандинский не использует сочетания основных цветов, а работает с неяркими, рафинированными, тончайшими цветовыми нюансами. Одновременно, он дополняет и усложняет репертуар форм: на первый план выходят новые, биоморфные элементы, которые непринужденно чувствуют себя в пространстве картины, словно плавая по всей поверхности холста. Картины Кандинского этого периода далеки от ощущения "холодной романтики", в них кипит и бурлит жизнь («Доминирующая кривая», 1936, «Различные происшествия», 1941, Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма, «Небесно-голубое», 1940, Париж, Национальный музей современного искусства). Работы Кандинского были включены нацистами в экспозицию «Дегенеративное искусство». Часть его произведений была уничтожена. Художник продолжал активно работать, в том числе над проектом комедийного фильма-балета, который намеревался создать совместно с композитором Гартманом. В ноябре-декабре 1944 состоялась его последняя прижизненная персональная выставка в Париже.

В 2007 году в России учреждена ежегодная  Премия Кандинского.  
Цель «Премии Кандинского» - развитие русского современного искусства, выявление новых интересных проектов и художников определение основных тенденции художественного процесса, влияние на его культурно-эстетическое содержание, вовлечение в него новых действующих лиц и укрепление позиций на мировой сцене.

Кандинский - один из немногих русских художников, внесших огромный вклад в развитие мирового искусства. Наряду с Питом Мондрианом он считается изобретателем абстрактного искусства – главного арт-тренда XX века. Он - поистине интернациональный художник, своего рода посол русского искусства в мире и посол европейского авангарда в России. В этом отношении фигура Кандинского как некий исторический прецедент, историческая модель представляется ключевой. [7]

1.4. Анализ картин «Композиция VII» и «Москва I. Красная площадь» В. В. Кандинского

Рассмотрим черты авангарда на примере произведений В. В. Кандинского «Композиция VII», 1913, и «Москва I. Красная площадь», 1916. Обе картины представлены в Государственной Третьяковской Галерее и являются примером абстрактной живописи.

На протяжении всей творческой жизни Кандинский создавал как абстрактные, так и фигуративные произведения. Он никогда не призывал забыть натуру. Напротив, считал, что только природа может дать необходимые импульсы для творчества, но нет смысла заниматься ее копированием. В зависимости от задачи мастер обращался к абстрактным или фигуративным формам или к их сложному сочетанию.

«Композиции VII» одно из самых известных полотен Кандинского. Здесь автор отказался от изображения реальных объектов вообще, композиция состоит из линий, точек, пятен, плоскостей. Художник сделал к картине множество карандашных набросков, акварельных этюдов и эскизов, в которых отрабатывал как детали, так и общий замысел. Он мыслил свои «Композиции» как некие новые миры, возникающие так же, как возник «космос» - «путем катастроф, подобно хаотическому реву оркестра, выливающемуся, в конце концов, в симфонию, имя которой - музыка сфер».

В картине «Москва I. Красная площадь» хоть мы и наблюдаем архитектурные сооружения, тем не мене мастер предельно обобщил форму, что тоже характерно для абстракционизма. Это своеобразный городской пейзаж, далекий от задачи передать вид площади. Кандинский создает образ центра Москвы, одного из самых любимых им городов. В этом произведении предметное соседствует с беспредметным.

По комбинациям живописных форм и линий картина «Композиция VII» многосоставна и разнообразна. В ней нет глубины пространства в привычном для нас понимании, это очень характерно для авангарда, но при этом она все же сохраняется. Художник, не прибегая к законам перспективы, к светотени, строит плоскость, распределяя, и накладывая друг на друга формы, используя свойства самой краски (которая, по словам В. Кандинского, «может отступать или выступать, стремиться вперед или назад») таким образом, что возникает «пространство трех измерений». Сам он называл это рисуночным (или живописным) «растяжением пространства».

Мотив картины «Композиция VII», достигая своего крайнего напряжения, действительно уподоблен некой катастрофе - своего рода взрыву или потопу. Смысловым центром композиции является круговорот форм, намеченный фиолетовым пятном и черными линиями и штрихами рядом с ним. Он затягивает в себя как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту. Линии «Композиции» движутся по поверхности холста плавными изгибами то широко и свободно, то группируются в виде параллелей. Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, изменяют свое направление, перерезают друг друга, ломаются или складываются в те или иные комбинации. Пятна и линии здесь действуют, как живые существа. И то, что это абстрактные линии (а не конкретные люди, животные или предметы), лишь усиливает выразительность события.

В картине «Москва I. Красная площадь» динамика тоже определенно есть, во-первых, композиция выстроена по диагонали, во-вторых, о движении свидетельствуют освещение, дым из труб домов, стаи птиц, и сочетание нескольких точек зрения, нескольких видов в центре «наставленных» друг на друга.  Движение в «Композиции VII» более бурное, хаотичное, а в картине «Москва I. Красная площадь» оно более упорядоченное и ритмичное. Здесь автор, используя какой-то определенный прием, обязательно поддерживает его аналогичным повтором. Свет, в виде линий из-за туч, есть как с лева, так и справа. Стаи птиц, слева расположены, более кучно, в стае, а справа, более широко и свободно. Тут же следует заметить, что слева птицы изображены меньшего размера, порой это просто точки, а справа они больше, за счет этого и создается пространство картины, кажется, что оно объемно, хотя все дома изображены плоскостно. Весь пейзаж заполнен высокими домами, куполами церквей. Архитектурные формы условны, декоративны. Пользуясь отчасти футуристическим методом передачи движения форм, он словно кружится, находясь в центре площади и показывая ее главные памятники. Как и в «Композиции VII» автор работает пятном и линиями, только здесь они опять же более упорядочены. У домов есть очерченный контур, пятна более крупные, используется короткие ритмичные мазки, разных цветов, что, тоже задает ритм и динамику.

Еще одна отличительная  черта авангарда в целом, в  этих произведениях – это цвет, в картинах цвета яркие и выразительные. Цвет это первое что привлекает при взгляде на картину. Яркие, красочные пятна создают ощущение торжественности и праздничности.

«Красная площадь» –  это символ города, стоящего на пороге новой эры. Желтое зарево, подобное световой вспышке, льющиеся с неба лучи света, летящие над городом птицы... Взгляд на картину вызывает непременный отклик, не смотря на то, что художник абстрагировался от реального изображения.