Описание танцевальной комбинации

Для многих хастл становится дорoгой в мир танца. Многие, пристрастившись к хастлу и поверив в свою способность танцевать, приступают к настоящему исследованию танцевальной terra incognita. Для одних следующим шагом становятся бальные танцы, для других - социальные: сальса, аргентинское танго, буги-вуги.

Получив во время обучения основной элементный базис, некоторые ключевые для танцевания навыки и, главное, привычку танцевать прилюдно, свободно и для собственного удовольствия, люди отправляются в собственное "свободное плавание" по дискотекам, клубам и танцевальным школам.

Свободный танец. Создатели свободного танца мыслили его не только как новое слово в искусстве, но и как новую культуру движения и сознания – культуру ХХ века. Их замыслы были предельно смелыми и широкими. Они мечтали о том, что танец даст универсальный язык для общения людей всех национальностей, станет прообразом совместного социального действия. Эти идеи возникли в разных уголках мира в одно и то же время, в начале ХХ века. Пространством, где разворачивались основные события из истории свободного танца, была Центральная и Западная Европа. Здесь создавали свои центры Айседора Дункан, Эмиль Жак-Далькроз, Рудольф Штайнер и Рудольф Лабан. В это движение оказались вовлечены и артисты, танцоры, художественная интеллигенция из России.

Все создатели свободного танца видели в нем не искусство для искусства – то есть феномен элитарной культуры – а часть культуры демократической, массовой, в лучшем смысле этого слова, культуры будущего. Поэтому все они были миссионерами, пропагандистами и воспитателями. Дункан в 1921 г. без колебаний оставила Париж и приехала в голодающую Россию по приглашению большевистского правительства – учить свободному танцу детей рабочих. Стефанида Руднева и Гептахор видели в музыкальном движении средство обогащения и просветления личности. Создавать Нового человека Гептахор начал с себя – его участники жили коммуной, в соответствии со своими идеалами, а затем посвятили себя детям, создав уникальные методики для развития личности ребенка.

В первые послереволюционные годы Руднева и ее единомышленники уже вели уроки в гимназиях и школах по своему методу, названному ими «музыкальным движением». Вскоре они официально зарегистрировали студию и двухгодичные курсы при ней и в начале 1920-х гг. дали в Петрограде много концертов. Студия просуществовала до середины 1930-х гг. – до сталинской культурной революции, когда хитоны вышли из моды и были заменены на пионерские галстуки. Но Рудневой и ее единомышленникам – Л.С. Генераловой, О.К. Поповой, Э.М. Фиш и др., – удалось сохранить музыкальное движение, преподавая его (иногда под названием ритмики) в школах, детских садах и домах культуры.

Музыкальное движение существует и сейчас: его преподает уже третье поколение учеников Стефаниды Рудневой, им занимаются в Москве и Петербурге в нескольких центрах и студиях. Занятия проходят в группах, всегда под живую музыку, в качестве музыкального материала используются специально подобранные музыкальные фрагменты (музыка может быть разной, хотя исторически метод был разработан на классике и фольклоре). Движение должно отражать характер выбранного музыкального фрагмента – контрастность, текучесть, порывистость и т.д., – иначе говоря, занимающийся должен найти в музыке угадывающееся там движение. Как правило, никто из новичков не может этого сделать, поэтому Гептахор разработал специальный тренаж. Правильное выполнение упражнения заключается не в копировании двигательной формы, а в ее воссоздании, для чего занимающийся должен услышать, прочувствовать и присвоить – «взять внутрь» – музыкальное произведение. Упражнения тренажа разделены по уровню сложности на три группы – от таких, в которых связь музыки с движением лежит на поверхности, - до тех, где она далеко не очевидна. Поднимаясь с одного уровня на другой, занимающийся в одно и то же время осваивает и содержание все более сложных музыкальных фрагментов и более сложные движения. Важная часть метода – самостоятельные работы занимающихся – их собственная пластическая интерпретация предлагаемых музыкальных произведений. В созданной Гептахором пластике подчеркиваются центральные характеристики музыки – дыхательность, текучесть, пружинность. Гептахор показал, что через пластический жест можно развить музыкальность: научиться понимать выразительность музыки и тем самым проникнуть в ее глубинную суть, которая сама восходит к движению. В то же время, музыкальное движение – это дорога к свободному танцу – то есть танцу для тех, кто чувствует себя свободным.

Модерн. Он появился в конце девятнадцатого века; его пионеры в Штатах – Айседора Дункан , Рут Сен-Дени и Тед Шон , в Германии – Рудольф фон Лабан и Мари Вигман. Каждый из этих людей бунтовал против консервативной и поверхностной классики, против мелочности зрелищных танцев. Сен-Дени и Шон создали компанию Денишон (Denishawn Company), которая повысила интерес к модерну в США. Их деятельность дала жизнь второму поколению танцоров и хореографов танца contemporary, среди которых наиболее знаменитые - Марта Грэм, Дорис Хамфри и Чарльз Вайдман. Общим для всех танцовщиков модерна было стремление посредством тела вдохновить зрителя и внушить ему новое понимание танца.

Модерн фокусирует внимание на балансировке и использовании тела для создания формы в пространстве, классический балет сосредоточен на линиях. Модерн стремится к использованию ломаных движений и ассиметричных фигур. В основе этого - атлетизм, а не плавные, легкие черты, присущие балету. Балет использует традиционную технику, в которой есть установленный список движений и определенное название для каждого па. Модерн же, с другой стороны, мастерит танцевальные движения из повседневных действий человека, таких как ходьба, сгибание или поднимание. Несмотря на то, что число таких движений ограничено, хореография модерна и сегодня стремится к новаторству.

Рут Сен-Дени была первой американской танцовщицей, которая из традиций и приемов варьете создала серьезный концертный танец. Она обращала внимание на связь танца с географическими и культурными регионами.

Рудольф фон Лабан был танцовщиком, хореографом и танцевальным теоретиком. Он разработал Labanotation, универсальную систему для всех танцевальных форм, в которой движения тела танцора обозначаются различными символами.

В основе хореографии Мари Вигман лежали эмоциональные концепции. Она работала над такими идеями, как честность и ложь в человеческих отношениях, выраженные посредством танца.

Марта Грэм, мать модерна, обнаружила тесную взаимосвязь между движениями тела и эмоциями. Например, положение, при котором спина согнута и плечи опущены, указывает на страх и печаль.

Стиль Дорис Хамфри основывался на падениях и сохранениях равновесия (или балансе и дисбалансе). В ее танцах последовательность движений образовывала некое развивающееся действие, которое заканчивалось падением. Как правило, действие разворачивалось синхронно с вдохом и выдохом. Одна из ее наиболее известных хореографических работ - Water Study. В этой постановке танцоры используют ритм дыхания для движения вверх и вниз, подобного движению волн океана.

Чарльз Вайдман был выдающимся танцором и хореографом своего времени среди мужчин. Он также считался одним из пионеров американского модерна. Одним из главных его вкладов в развитие мира танца было создание кинетической пантомимы.

Создателями джаз-танца были африканцы и афро-американцы. Принципы джаз-танца закладывались вне музыкального направления джаза и в общем не имеют к нему отношения, поэтому необходимо разделять джаз как музыкальное направление и как танцевальную технику. Традиционные африканские музыкальные инструменты, как правило, ударные: настроенные на разную высоту звука барабаны, ксилофон размером в несколько метров, погремушки и трещотки. Завывание саксофона гораздо ближе к традиционным песням Франции, нежели Африки. Черный человек, по словам известного путешественника Джоффри Говарда, это тот, кто свои эмоции и настроения передает посредством танца. Рождение или смерть, свадьба или похороны - черный человек танцует. Без танца он не в состоянии прожить и недели. При этом под танцем подразумевается ритм. О хорошем танцовщике в Африке говорят: "Он имеет хорошие уши". Конечно, на ритм накладываются зачастую вполне определенные па, однако вся входящая в транс толпа и тем более - солист постоянно импровизируют.

Практически каждое селение в Черной Африке содержит группу профессиональных танцоров, с репертуаром, в который входит и уникальный танец данной местности, костюмами и т.д. С этим, вероятно, связано то, что, когда в девятнадцатом веке Европа начала интересоваться африканской культурой, романтизируя и поэтизируя ее, Африка смогла удовлетворить спрос. А потомки ввезенных в Америку черных рабов стали распространителями африканских ритмов на своей новой родине. Они, в свою очередь, осваивали европейские музыкальные инструменты и гармонии.

Основные принципы джаз-танца подобны принципам джаза в музыке. Это, возможно, и стало причиной единого названия: импровизация; полиритмия; полицентрия (последние два сродни музыкальной полифонии).

Менее значимые принципы джаз-танца, отчасти вытекающие из первых трех: изоляция, контракция-релиз, коллапс (сброс), импульс, волна.

Об импровизации мы уже говорили, она следует из самой природы африканского танца. Полиритмия предполагает, что разные части тела движутся в разных ритмах. Полицентрия предусматривает возникновение движения в разных частях тела. Движение может исходить из головы, плеча, колена, очень часто посредством импульса. Полицентрия, безусловно, требует владение техникой изолированного движения для каждой части тела.

Корни этого направления следует искать в танцевальной культуре афро-американцев. Импровизация, заложенная в самой природе афро-джаза, получает в джаз-модерне свое логическое продолжение и достигает определенного витка исторического развития.

Основные принципы этого направления-  четкость линий, законченность движений, не отрицающие при этом плавность перетекания поз из одной в другую. Также важными принципами джаз-модерна - особенно его разновидности Блюз-джаз танца - являются некоторая хаотичность движений, замысловатость переводов рук, подчеркивающие интенсивный ритм музыки.Причудливость хореографических решений отражают музыкальный замысел - вслед за музыкой, тело чутко повторяет ее прихотливый рисунок! Много внимания в танце уделяется поиску баланса и использованию тела для создания формы в пространстве.

Важнейшая особенность джаз-танца - импровизация. Она помогает танцору отражать те изменения, которые происходят в окружающем мире (эстетические и социальные). Отличительные особенности джаз-танца - это также чувственность, эмоциональность. Душа в джаз-танце живёт вместе с телом, в одном ритме, настрое.. (5; С.3)

Техника и стиль каждого артиста зависят от уровня его подготовки. Сегодня мы находим много вариаций в стилях. Одних привлекает примитивная африканская техника, другие соединяют модерн с этническим танцем, третьи используют tap-dance... 
Чтобы отличиться в джаз-танце, танцор должен заниматься и классической балетной техникой, позволяющей отлично контролировать своё тело, придать силу мышцам, улучшить баланс (равновесие), а также исполнять резкие и чёткие движения, присущие джаз-танцу.

Среди технических принципов джаз-танца идея изоляции является главной. Без неё джаз-танца не может быть. Полностью освободить своё тело, сделать его инструментом танца артист в джаз-танце сможет только тогда, когда освоит технику изоляции.

Современный джаз-танец заимствовал терминологию и отдельные движения из различных танцевальных направлений. У балета он взял французскую терминологию и некоторые движения, позиции рук и ног. Модерн дал джаз-танцу величайшую свободу в раскрепощении торса и включение его в активную работу.

У степа была заимствована подчёркнутая ритмизация движений. Бальные танцы тоже оказали влияние на становление и развитие джаз-танца. Оказывают на него влияние и популярные танцы. В начале века это был чарльстон. Когда латино-американские танцы становились популярными, базовые шаги также заимствовались (шаги из Ча-ча-ча, Мамбы, Самбы).

Также велико влияние стилей hip-hop, r'n'b, latin, contemporary, funky, house, free style. Появились новые движения рук, бёдер, ритмические изменения.

В нем могут пересекаться различные стили - традиционный (классический джаз мюзиклов), лирический, афро или modern, contemporary. Так как большое значение в джаз-танце имеет изобретательность и импровизация, многие танцоры привносят в свой танец совершенно другие стили. 

Капоэйро - искусство танца и боя, которые совмещены в одно и существуют в музыкальном мире африканских ритмов. История капоэйры туманна. Есть множество гипотез о том, откуда капоэйра взялась. Самая логичная версия: португальцы вывозили из Африки (Анголы, Мозамбика, Конго) в Бразилию рабов, которые ее и создали. Есть мнение, что беглые рабы придумали капоэйру для защиты своих поселений, «киломбос». Есть мнение, что капоэйру придумали не беглые, а те, которым бежать не удавалось, но которые того очень хотели: чтобы угнетатели ничего не заподозрили, они маскировали боевое искусство под танец. Затем в течение долгого времени капоэйру отождествляли с воровством, убийством и грабежами: так происходило из-за ее популярности у городских бродяг Бразилии. И, хотя то было уже не искусство танца-борьбы, все, что напоминало капоэйру, находилось под запретом. К двадцатым годам двадцатого века капоэйра «ушла в подполье» и совсем стала походить на танец. В тридцатом году случился военный переворот, изменивший культурную обстановку, а в тридцать втором открылась первая официальная школа капоэйры. С тех пор она стала плодиться и размножаться в Бразилии, а после и по всему миру. Первое движение, которое нужно выучить при занятиях ка-поэйрой, называется джинга, «шаг». Внешне оно напоминает маятник — капоэйрист пританцовывает из стороны в сторону так, что противник никак не может предугадать его дальнейшие действия. Одна из основных стоек называется негачива, при которой человек сидит на корточках, вытянув одну ногу. Из этого внешне неудобного положения наносится очень много опасных ударов.

 От других единоборств  капоэй-ру отличает то, что в ней нет неудобного положения корпуса. Капоэйрист одинаково уверенно чувствует себя, стоя как на ногах, так и на руках. Одно из главных умений, приобретающихся на занятиях, — кошачья способность моментально ориентировать тело в пространстве.

В капоэйре очень много значит импровизация, артистизм. Поскольку капоэйра родилась из танца, в ней мало простых, неказистых элементов, и все удары и движения рассчитаны одновременно и на эффективность, и на внешний эффект. Впрочем, импровизация невозможна без идеального знания техники.