Искусство поп-арт в системе массовой культуры

 

Джордж Нельсон (George Nelson) – великий американский дизайнер XX века. Джордж Гарольд Нельсон родился в 1908 году в Хартфорде, штат Коннектикут, и в 1928 году окончил Йельский университет, где он изучал архитектуру, с дипломом бакалавра искусств. В 1931 году он получил диплом бакалавра изящных искусств в Йельской школе изящных искусств. Его работы известны всему миру. Мебель, осветительные приборы, выставочный дизайн, часы – в каждой категории он был одним из лучших. Наибольшее внимание привлекли часы выполненные в стиле поп- дизайн. Поистине оригинальные, они украшают самые лучшие дома по всему миру. Часы Джорджа Нельсона представлены в великом множестве вариаций. Впервые они были изобретены абсолютно случайно. Так, Джордж Нельсон с друзьями дурачились и рисовали каракули, подшучивая над тем, что таким образом можно придумать часы. А наутро среди множества зарисовок был замечен один эскиз, который лег в основу часов Ball, пожалуй самых популярных из всей серии дизайнерских творений Джорджа Нельсона.

 

Радикальная дизайнерская группа “Strum” (бренчание) основана в 1963 году в Турине Жоржио Жиретти (Giorgio Geretti), Петро Деросси (Pietro Derossi), Карла Жиамарко (Carla Giammarco), Риккардо Росси (Riccardo Rosso), Маурицио Воглиацо (Maurizio Vogliazzo). которые использовали свои произведения для высказывания политических и социальных протестов начала 1970-х.

 

Одна из самых известных работ группы – экзотическая “мебель” для сидения и лежания из полиуретана “ объект Pratone сиденье ("Газон")в 1968 г., Pratone был их эмблемой движения хиппи против " общества потребления". «Штрум» сочетали в своем дизайне оригинальную форму, свойственную поп-арту, и комфорт.

 

Инго Маурера, вдохновленный течениями поп-арт культуры, эмигрировал в США и в 1966 г. и создал легендарный светильник «Bulb». За ним последовали многочисленные инновационные световые дизайнерские решения, которые принесли Инго Мауреру всемирную популярность. Инго испытывал невероятное чувство восторга от «магических и мистических» свойств света, как он их называет сам. Он создает световые атмосферы, которые играют с привычными представлениями о цвете, яркости и тени. Начиная с 1966 г. на счету Инго Маурера более чем 150 разнообразных осветительных приборов и световых систем и множество международных проектов по световому оформлению общественных мест, показов модных коллекций, фасадов общественных зданий и памятников, не говоря уже о частных заказах.

 

Роберт Индиана родился в Нью Касле, Индиана, позднее переехал в Индианаполис, где закончил Arsenal Technical High School. В 1954 он переехал в Нью-Йорк, где присоединился к поп-арт движению. Роберт Индиана обратился к образам коммерческой графики, смешивая их с экзистенциализмом, что привело к тому, что сам художник назвал «скульптурные стихи».В 1958 он изменил свою фамилию (Кларк) на Индиана. В 1961 начал серию картин, изобразительный ряд которых близок к графическому дизайну и американской рекламе. Порой затрагивая потребительские тенденции или политические эксцессы в американской культуре, образы Индианы сочетают текст, числа и цветовые поля с четкими контурами. Первая персональная выставка Роберта Индианы в Нью-Йорке прошла в 1962 в галерее Stable Gallery. Его популярный знак «Love» был впервые реализован как живопись в 1966, а позднее повторен в различных медиа, включая скульптуру и почтовые марки, став настоящей поп-иконой 1960-х. С 1978 Индиана живет и работает в Vinalhaven.

 

Ээро Аарнио (родился 21 июля 1932 г.) знаменитый финский дизайнер интерьера, известный своими инновационными проектами мебели, в частности, его пластиковые и из стекловолокна стулья в стиле поп- дизайна.

 

Аарнио учился в институте промышленного искусства в Хельсинки, затем основал свое собственное бюро в 1962 году. В следующем году он представил свой «Bubble Chair», большой шар из прозрачного оргстекла на подставке, с отверстием с одной стороны, которое позволяло человеку сидеть внутри. Позднее появился аналогичный «Bubble Chair​​» с приспособлением, для того чтобы было можно повесить его за цепь, создавалось впечатление будто этот шар парит в воздухе. Другие его инновационные проекты включали в себя ,не менее известный, плавающий«Pastil Chair» и «Tomato Chair» (более устойчивый с сиденьем из трех сфер). «Screw Table», его форма вполне соответствует названию, а со стороны создавалось впечатление, как будто огромный пластиковый винт вкрутили в землю. Он был удостоен награды «American Industrial Design» в 1968 году.

 

Конструкции Аарнио были очень популярны, и так же являлись яркими представителями стиля поп-дизайн 1960-х гг. Так же его мебель часто использовали для съемок фантастических фильмов о будущем. Действительно, это простая , но в тоже время интересная, форма давала ощущение инопланетного происхождение мебели. И поэтому его конструкции были идеальны для декораций съемок таких фильмов.

 

Аарнио, в более поздней работе, решил заменить опасное в использовании стекловолокно (особенно для тех, кто непосредственно участвует в его производстве). И стал работать с более безопасными видами пластика. И по сей день он продолжает создавать новые проекты, в том числе игрушек и мебели для детей.

 

Вернер Пантон родился 13 февраля 1926 года в городе Гамтофт, Дания. После окончания Королевской датской академии изящных искусств работал в архитектурном бюро Арне Якобсона. Там он начал заниматься дизайном мебели, а после открыл собственную студию в 1955 году.

 

Вернер Пантон считается революционером в области дизайна мебели. Он экспериментировал с такими материалами, как стекло, пластик, сталь и полипропилен и одним из первых стал рассматривать отдельные элементы интерьера как связанные общим пространством.

 

Пантон много экспериментировал и утверждал, что мебель не обязательно должна иметь традиционную форму. Его знаменитые проекты стульев — Tivoli, Bachelor и Cone — считались в своё время самыми необычными стульями в мире. Вернер считал, что стулья должны быть не только удобны, но и интересны. Самый знаменитый стул дизайнера — Panton Chair был сделан из единого куска формованного пластика[1]. Дизайн стула был настолько необычен, что производство началось только в 1967 году немецкой фирмой «Herman Miller&Fehibaum» и до сих пор производится фирмой «Vitra». Кроме стульев, дизайнер придумал более 25 различных форм для ламп.

 

Также Пантон занимался дизайном текстиля и интерьеров, создав интерьеры для издательских домов «Spiegel» и «Gruner & Jahr» в Гамбурге, а также для отеля «Astoria» в Тронхейме.

 

Стиль Пантона стал прототипом психоделического дизайна 1970-х годов и производили впечатление скульптур, а не мебели. В своих работал Пантон использовал яркие, ясные цвета. В 1980-х он начал экспериментировать с геометрическими формами, черпая вдохновение в возможностях новых материалов. Не имея чёткой структуры, пластик мог принимать любые формы и цвета, что было невозможно при использовании классических материалов как стекло, дерево и металл. Знакомство с Паулем Хеннингсеном, художником по свету, известным за свои смелые, чёткие эстетические принципы, позволило Пантону начать эксперименты с проектированием мебели. (В 1950 году Пантон женился на дочери Хеннингсена – Туве Кемп, но вскоре развёлся). Также он дружит с дизайнером-ремесленником Хансом Вегнером, известным из-за модернизации классических датских стульев из тика. Благодаря ему Пантон проявил страсть к экспериментам с пластиком и антропогенными материалами для создания динамичного цветового решения в геометрических формах поп-арта. дизайнером ламп, Shell Lamp, была создана в 1964 году и состояла из огромного количества кружков, вырезанных из ракушек. Это редкий пример использования Пантоном натуральных материалов. В большинстве же его светильников главная роль отводилась металлу, пластику, цвету и округлым формам.

 

Не менее важным было обучение и сотрудничество Вернера Пантона с Арне Якобсеном с 1950 по 1952 годы. В студии Пантон был не на самом лучшем счету, так как большую часть времени уделял собственным проектам.

 

Мечтой Пантона было полное слияние функций различной мебели. Мысль о том, что глядя на вещь можно с первого раза определить её функцию, лишала его воображения и желания творить. Кроме того, он мечтал нарушить традиционное деление на пол, стены и потолок, сместив их функции. Его легендарные наброски можно расценивать как зенит его карьеры.

 

В отличии от других датских дизайнеров у него был революционный, а не эволюционный взгляд на вещи и за свою жизнь он создал множество инновативных, рискованных и игривых вещей. Для их создания потребовались самые современные технологии, что отображало его жизненный оптимизм.

 

Аллен Джонс родился в Саутгемптоне в 1937 году. Учился в Лондоне (1955-59) и Королевский колледж искусств (1959-60) и затем вернулся в hornsey, чтобы пройти курс подготовки на преподавателя(1960-61).

 

В начале 1960-х в Королевский колледж искусств стал свидетелями зарождения британского поп-арта (поп-арт появился в америке в 1960). Аллен Джонс был одним из группы студентов, которых исключели (дэвид хокни и питер филлипс ), Они коренным образом изменили лицо британского искусства, с их преждевременными, нетрадиционными и непочтительными работами, которые были основаны на популярных вещах, их творения из новых форм и из новых материалов производили неоднозначное впечатление у публики. Свое предпочтение Джонс отдал гламуру и его стилю. Он сосредоточелся на красивых женщин и воплощении эротических и стереотипных образов в жизнь. Свое вдохновения он брал в глянцевых журналах, рекламе и в комиксах. Он сочетал с большим мастерством цвета и эффектную технику живописи, работы Джонса колеблется между живописью и скульптурой. Самые известные его работы, это мебель, за основную форму которой, была взята женская фигура. Он использует цвет для описания формы, иногда с графической точностью, или, наоборот, с энергией и свободой жест, который находится недалеко от прямого выражения. аналогичные изменения очевидны в его печатной графики.

Пройдя долгую и успешную карьеру в качестве художника, , Джонс остался ярким представителе британского поп-искусства. Его работы можно увидеть во многих общественных местах, включая самые модные рестораны. Он выполнял заказы для лондонского сити (1987), британский органом аэропортов ,аэропорт хитроу (1991), челси и вестминстер больницы (1992-93) taikoo место , гонконге (1997), chatsworth, дербишир (2000), glaxosmithkline международная штаб-квартира в лондоне (2001) и taikoo место , гонконг (2002 - 3).

 

Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg; 28 января 1929, Стокгольм) — американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта.

 

Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

 

В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный приём Олденбурга — скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокативный характер, произведения Олденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, — поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального решения городской среды. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком).

 

В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. — Премия Рольфа Шока.

 

В сверкающих глянцем обложек журналах рекламировались оригинальные одноразовые платья из бумаги. Принтом для таких платьев служили комиксы, картины Энди Уорхола, упаковки, комиксы, реклама и портреты поп-героев и героинь. В 1966 году Компания "сСкот Пипол Компани" изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе. За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.

 

Основные черты стиля поп-дизайн:

· Использование различных видов пластика, оргстекла, ПВХ

· Недолгосрочная эксплуатация предметов

· Низкая цена

· Посредственное качество

· Использование ярких радужных цветов

· Оригинальная, забавная форма

 

Неспроста среди дизайнеров «поп» особой популярностью пользовался материал пластик. В 60-х годах было создано много видов пластика и освоены процессы их производства. При этом самым большим преимуществом была низкая стоимость. Яркие радужные цвета и необычные смелые формы стиля «поп» вытеснили последние остатки послевоенного аскетизма и дали новый стимул шагающему по миру оптимизму, который поддерживался беспрециндентным экономическим благосостоянием населения.

 

В связи с тем, что поп-дизайн в основном ориентировался на молодежный рынок, товары были дешевыми, и как следствие, часто посредственного качества. Этика недолговечности товаров была частью их стоимости, поскольку являлась противоположностью вневременной классики современности.

 

Поп-дизайн развивал свои собственные принципы и закономерности формообразования, противоположные идеологии «современного движения», но при этом не находился с ним в противоречии. «Поп» означало быть современным, быть молодым и в высшей степени соответствовать времени.

 

Поп-дизайн был неотъемлемо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения неприкрытого материализма, который в начале 60-х овладел всем западным миром. Аппетит к «попу» был ненасытным и всеобъемлющим. Даже объекты «современного мышления» становились воплощением «поп-мечты». Ричард Хамильтон включал электроприборы Браун в свои произведения, повышая их до поп-символов.

 

Поп-культура не только творилась из бесчисленных источников, но и создавала собственные галереи из моментально возникших героев и героинь. Оформленная Петером Белеком в 1967 году обложка Битлз «Клуб одиноких сердец сержанта Пеперсона» похожа на своеобразный иконостас поп-героев и героинь.

 

Художники 60-х видели свою главную задачу своей работы в том, чтобы публика принимала участие в их искусстве. Они стремились сократить дистанцию между своим произведением и зрителем, втянув последнего, как активного участника, в своё произведение.

 

Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше - значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой "популярной культуры".Черпая вдохновение в самых разных течениях, от ар-нуво и ар-деко до футуризма, сюрреализма, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Однако сам поп-ар просуществовал не долго: в связи с нефтяным кризисом начала 1970-х гг. возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну, и поп-арт уступил место возрождению ремесел.