Особенности живописи на рубеже 19-20-х вв

 

Содержание

 

 

Введение……………………………………………………………………	3
Особенности живописи на рубеже 19-20-х вв………………………………	4
«Голубая роза»…………………………………………………………….	10
«Бубновый валет»…………………………………………………………	11
«Супрематизм Казимира Малевича»…………………………………….	14
Заключение…………………………………………………………………	17

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Введение

 

Рубеж 19-20 вв. – особый, переломный период для России. Экономические подъемы и кризисы, проигранная мировая война 1904-05 гг. и революции 1905-1907 гг., первая мировая война 1914-1918 гг. и, как следствие, революции в феврале и октябре 1917 г., свергшие монархию, а затем власть буржуазии. В обществе все более нарастало ощущение неизбежности социального кризиса, необходимости смены ценностей. Народническая идеология потерпела крушение. Начался поиск новых идеологических концепций общественного развития.

В духовной жизни России отразились социальные противоречия эпохи, и противоречия русской общественной мысли. В обществе возникает чувство  катастрофизма времени, завершенности  культуры. На этой почве в литературе и искусстве возникают апокалипсические мотивы. Однако Россия тогда переживала период плодотворного и динамического  развития культуры. Это был период духовного ренессанса, обновления. «Серебряным веком» назвал этот период в истории русской культуры философ  Н. А. Бердяев.

Для живописцев рубежа веков  свойственны иные способы выражения, чем у передвижников, иные формы  художественного творчества-в образах  противоречивых, усложненных и лишь косвенно отображающих современность, без иллюстративности и повествовательности. Художники мучительно ищут гармонию и красоту в мире, который в  основе своей чужд и гармонии, и  красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного. Это время «канунов», ожидания перемен  в общественной жизни породило множество  течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов.

Серебряный век приобрел расширительное толкование и стал использоваться для характеристики определенных культурных процессов, происходивших в России в означенный период. Ведь одни и  те же идеи, мотивы, настроения питали, наряду с литературным творчеством, также музыкальное и театральное, изобразительное искусство, перекликаясь в то же время и с исканиями  русской религиозно-философской  мысли. При этом Серебряный век не просто отражал философско-художественными  средствами существующие исторические условия, но, складываясь на основе нового мироощущения, сам творил новый  стиль мышления, и в каком-то смысле новую социальность, что позволяет  определить его, как культуру.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Особенности живописи на рубеже 19-20-х вв.

 

С кризисом народнического движения в 90-е гг. многие из художников-передвижников  испытывали творческий упадок. Сложные  жизненные процессы обусловили многообразие форм художественной жизни этих лет.

Широкая свободная живописная манера – это результат эволюции в развитии изобразительных средств  во всех жанрах рубежа веков. В поисках  «красоты и гармонии» художники  пробуют себя в самых разных техниках и видах искусства – от монументальной живописи и театральной декорации  до оформления книги и декоративно-прикладного  искусства.

На рубеже веков сложился стиль, затронувший все пластические искусства, получивший название стиля  модерн. Явление это неоднозначное, в модерне есть и декадентская вычурность, претенциозность, рассчитанные главным образом на буржуазные вкусы, но есть и знаменитое само по себе стремление к единству стиля. В живописи модерн проявил себя символикой образов, пристрастием к иносказаниям.

В 90-х гг. развивается жанровая живопись. По-новому раскрывается крестьянская тема. Раскол в сельской общине подчеркнуто  обличительно изображает Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908 гг.) в картине «На миру»     (1893 г.).

Безысходность существования  в тяжелом изнуряющем труде сумел  показать Абрам Ефимович Архипов(1862-1930) в картине «Прачки» (1901 г.). Он достиг этого в большой степени благодаря новым живописным находкам, по-новому понятым возможностям цвета и света.

Недоговоренность, «подтекст», удачно найденная выразительная  деталь делают еще трагичнее картину  Сергея Васильевича Иванова(1864-1910 гг.)

Иванову принадлежит одно из произведений, посвященных революции    1905 г., - «Расстрел».

Импрессионистический прием  «частичной композиции», как бы случайно выхваченного кадра сохранен и здесь. Для Иванова характерны резкие светотеневые контрасты, выразительный контур предметов, известная плоскость изображения. Язык его лапидарен.

В 90-х гг. 19 в. В искусство  входит художник, который главным  героем своих произведений делает рабочего. В 1894 г. Появляется картина Н.А. Касаткина (1859-1930 гг.) «Шахтерка», в 1895 г. – «Углекопы. Смена».

Андрей Петрович Рябушкин (1861-1904 гг.) работает скорее в историко-бытовом, чем чисто историческом жанре. «Русские женщины 17 столетия в церкви» (1899 гг.),

«Свадебный поезд в  Москве. 17 столетие» (1901 г.) и прочие - это бытовые сцены из жизни Москвы 17 столетия. Рябушкина привлекал этот век, с его пряничной нарядностью, полихромией, узорочьем. Стилизация сказывается у Рябушкина в плоскостности изображения, в особом строе пластического и линейного ритма, в колорите, построенном на ярких мажорных цветах, в общем декоративном решении.

Еще большое внимание уделяет  пейзажу в своих исторических композициях Аполлинарий Михайлович Васнецов (1856-1933 гг.).

Его любимой темой также  является 17 в., но не бытовые сцены, а  архитектура Москвы. «Москва конца 17-го столетия. На рассвете у Воскресенских  ворот» (1900 г.).

Новый тип картины, в которой  совершенно по-особому освоены и  переложены на язык современного искусства  фольклорные художественные традиции, создал Филипп Андреевич Малявин (1869-1940 гг.). Его образы «баб» и «девок» имеют некое символическое значение – здоровой почвенной Руси. Картины всегда экспрессивны. «Смех» (1899 г.), «Вихрь» (1906 г.)

Живопись размашистая, эскизная с фактурным мазком. Малявин соединял в своей живописи экспрессивный  декоративизм с реалистической верностью натуре.

К теме Древней Руси, как  и ряд мастеров до него, обращался  Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942 гг.), но образ Руси предстает в картинах как некий идеальный, почти зачарованный мир, находящийся в гармонии с природой. Это острое ощущение природы, восторг перед миром, перед каждым деревом и травинкой особенно ярко выражены в одном из самых известных произведений Нестерова – «Видение отроку Варфоломею» (1889-1890 гг.), «Христова невеста» (1887 г.). Нестеров много занимался монументальной религиозной живописью. Росписи всегда посвящены древнерусской теме. В настенных росписях Нестерова много реальных наблюденных примет, особенно в пейзаже, портретных черт - в изображении святых. В стремлении же художника к плоскостной трактовке композиции нарядности, орнаментальности, утонченной изысканности пластических ритмов проявилось несомненное влияние модерна. Одну из главных ролей у Нестерова пейзаж играет.

Пейзажный жанр развивается  в конце 19 столетия по-новому. Новое  слово на рубеже веков предстояло сказать ряду художников.

Уже в ранних пейзажах Константина  Алексеевича Коровина (1861-1939 гг.) решаются чисто живописные проблемы – написать серое на белом, черное на белом, серое на сером. Для блестящего колориста мир представляется «буйством красок». Он занимался и портретом, и натюрмортом, но любимым его жанром был пейзаж. Он принес в искусство прочные реалистические традиции своих учителей– это другой взгляд на мир, он ставит другие задачи. Он рано стал писать на пленэре. «В лодке»,

«Зима в Лапландии». Его  французские пейзажи - это уже вполне импрессионическое письмо, с его высочайшей культурой этюда. «Париж. Бульвар Капуцинок» (1906 г.), «Париж ночью. Итальянский бульвар» (1908 г.). Те же черты импрессионической этюдности, живописную маэстрию, поразительный артистизм сохраняет Коровин и во всех других жанрах, прежде всего в портрете и натюрморте, но также в декоративном панно, в прикладном искусстве, в театральной декорации. «Портрет Шаляпина» (1911 г.), «Рыбы, вино и фрукты» (1916 г.).

Одним из самых крупных  художников, новатором русской живописи на рубеже веков явился Валентин Александрович  Серов (1865-1911 гг.). Его «Девочка с персиками» (1887 г.) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888 г.) – целый этап в русской живописи. Серов воспитывался в среде выдающихся деятелей русской музыкальной культуры - отец был известным композитором, а мать - известной пианисткой, учился у Репина и Чистякова, изучал лучшие музейные собрания Европы. Вышеупомянутые портреты были написаны в Абрамцеве и вошли в искусство со своим собственным светлым и поэтичным взглядом на мир. В портретах Серова существуют принципы пленэрной живописи. Так, художник изображает людей в гармонии с миром, полных трепетности и внутреннего движения. Цвета даются в сложном взаимодействии друг с другом. Серов отходит от критического реализма своего учителя Репина к «реализму поэтическому» (термин Д.В. Сарабьянова). В отличие от импрессионистов, Серов никогда не растворяет в этой среде так, чтобы он дематериализовался, его композиция никогда не теряет устойчивости, массы и всегда находится в равновесии.

Серов часто пишет представителей художественной интеллигенции: писателей, артистов и художников (портрет Коровина (1891 г.), Левитана (1892 г.), Орловой (1910-1911 гг.), Ермоловой (1905 г.).

Всех их он интерпретирует индивидуально, но на всех них лежит  свет интеллектуальной исключительности и вдохновенной творческой жизни. Серов  формирует образ символический, передающий смысл целой эпохи.

«Петр 1» (1907 г.) - здесь Серову удается изобразить стремительное движение царя и нелепо поспешающих за ним придворных. Художник восхищается неординарностью своего героя. 

Портрет, пейзаж, натюрморт, бытовая, историческая картина: масло, гуашь, темпера, уголь – трудно найти  живописные и графические жанры, в которых бы не работал Серов, и материалы, которые бы он не использовал.

Особая тема в творчестве Серова – крестьянская. В его  крестьянском жанре есть ощущение красоты  и гармоничности крестьянского  быта, восхищение здоровой красотой русского народа. «В деревне. Баба с лошадью», пастель        (1898 г.).

Особенно живописны его  зимние пейзажи с серебристо-жемчужной  гаммой красок «Зимой».

Серов был постоянно ищущим новые формы художественного  претворения реальности. Навеянные  модерном представления о плоскостности  и повышенной декоративности сказались  не только в исторических композициях, но и в его портрете танцовщицы Иды Рубинштейн

Знаменательно то, что Серов  в конце жизни обращается к  античному миру. «Похищение Европы» (1910 г.). Художник многогранен в своей эволюции от импрессионической достоверности портретов и пейзажей 80-90-х гг. к модерну в исторических мотивах и композициях из античной мифологии.

Творческий путь Михаила  Александровича Врубеля (1856-1910 гг.) был более прямым, хотя при этом необычайно сложным. Начиная с Петербургского университета, где окончил юридический факультет-до Академии художеств. У Врубеля полный таинственности и почти демонический стиль письма. Этот стиль не спутаешь ни с кем другим. Он лепит форму, как мозаику, из острых «граненых» кусков разного цвета, как бы светящихся изнутри («Девочка на фоне персидского ковра» 1886 г., «Гадалка» 1895 г.)

Цветовые сочетания не отражают реальности отношения цвета, а имеют символическое значение. Натура не имеет над Врубелем никакой  власти. Он знает её, прекрасно владеет  ею, но творит свой собственный фантастический мир, мало похожий на реальность. В  этом смысле Врубель антиподен импрессионистам, ибо он никак не стремится к фиксации непосредственного впечатления от действительности. Он тяготеет к литературным сюжетам, которые толкует отвлеченно, стремясь создать образы вечные, огромной духовной мощи («Пляска Тамары», «Не плачь дитя, не плачь напрасно», «Тамара в гробу» и пр.). В 1890 г он создает своего «Демона сидящего» - произведение, по сути, бессюжетное, но образ вечный. Образ Демона – центральный образ всего творчества Врубеля, его основная тема. «Демон летящий» 1899 г., «Демон поверженный» 1902 г.

Демон Врубеля - существо страдающее. Страдание превалирует над злом, и в этом особенность национально-русской  трактовки образа. Современники видели в его «Демонах» символ судьбы интеллигента – романтика, пытающегося  бунтарски вырваться из лишенной гармонии реальности в ирреальный мир мечты. Этот трагизм мироощущения Врубеля, определяет его портретные характеристики: душевный разлад, надлом в его автопортретах, настороженность, почти испуг, но и величавую силу, монументальность - в портрете С. Мамонтова (1894 г.), смятение и тревогу – в сказочном образе «Царевна-Лебедь» (1900 г.)

Врубель сам сформулировал  свою задачу – «будить душу величавыми образами от мелочей обыденности». М.А. Врубель «Автопортрет» (1904 г.).

Уже упомянутый Савва Мамонтов сыграл очень большую роль в жизни  Врубеля. «Портрет Саввы Мамонтова» (1897 г.).

В Абрамцеве он много занимался  монументальной и станковой живописью, он обращается к фольклору: к сказке, былине, итогом чего явились панно  «Микула Селянович», «Богатыри». Художник пробует себя в керамике, его интересует языческая Русь и Греция, Ближний Восток и Индия – все культуры человечества, художественные приемы которых он стремится постигнуть. И каждый раз почерпнутые им впечатления он претворял в глубоко символические образы, отражающие все своеобразие его мироощущения.