Традиционная живопись Африки. Влияние культуры народов Африки на становление европейской живописи XIX века

 Первыми «соратниками»  Э.С.Тингатинга стали Симон Мпата,  Каспер Хенрик Тедо, Дженьери Линда (Джон Линда Амба), Адеуси Манду Мтатамбве, Аджаба Абдалла Мталия. Вскоре к ним присоединился Омари Амонде, проделавший почти такой же путь как Эдуардо – из деревни Накапанья в Тангу и потом в Дар-эс-Салам. Они считаются «первым поколением тингатинга». В настоящее время из них жив и продолжает работать только Омари Амонде - дядя Эдуардо по материнской линии.

 В 1972 году произошло  трагическое событие – Э.С.  Тингатинга погиб. Что произошло  в тот день, когда умер основатель  художественного направления точно не известно. Официальные источники и ныне живущие последователи придерживаются версии, что он погиб от пули полицейского, преследовавшего, по ошибке, его машину.

 Через некоторое время  художники, группировавшиеся вокруг  Э.С.Тингатинга официально зарегистрировались как артель.

70-е годы – время  взлета тингатинга – одна за  другой следуют выставки, школа  получает признание на государственном  уровне. Живопись тингатинга, основанная  простым крестьянином без образования  получила в Танзании статус почти что «академического» искусства, «визитной карточки» страны.

 С середины 80-х годов  практически ежегодно организуются  выставки в различных галереях  и музеях Франции, Англии, Германии, Швейцарии, Италии, США и, конечно  же, в Скандинавских странах. В это же время к перечню стран, где проявился интерес к тингатинга, добавляется и Япония. Более того, отдельные исследователи именно успехом на японском рынке объясняют появление новых техник – более тонкие проработки линий, многоцветные, перетекающие колористические решения фона.

 В 90-х годах  артель была преобразована в  «Общественный Кооператив Искусств  Тингатинга» (TACS) при финансовой поддержке официальных структур Танзании и помощи европейских организаций, главным образом, из Скандинавии. В настоящее время кооператив TACS объединяет более 80-ти художников. При этом помимо официального кооператива существует несколько альтернативных объединений, в том числе и за пределами Дар-эс-Салама (о.Занзибар, г.Аруша). Наиболее интересными из альтернативных объединений в настоящее время являются «группа Омари Адам Али», «Слип Вэй».

 За время  существования школы тингатинга  внутри нее сформировалось несколько стилей: ставшие классическими изображения животных и птиц, сложные многофигурные композиции из повседневной жизни людей, часто изображаемые в виде своеобразного «рассказа-комикса», сюжеты традиционной мифологии, библейские мотивы.

 Несмотря  на то, что это искусство постоянно  развивается и приобретает новые  сюжеты, выделяются некие общие  черты: 

1.как правило,  одноцветный фон с небольшим  количеством оттенков;

2.основной мотив  наносится с помощью простых  и четких линий и, как правило, занимает почти весь фон;

3.отсутствие  перспективы; 

4.размашистость  и зачастую повторяющийся рисунок  линий придает изображению характер  живого экспрессивного орнамента. 

 Искусство  тингатинга получило известность  и признание в мире и, как  и полагается, критики, искусствоведы выдвигают свои трактовки, объяснения и классификации этого явления. Ведутся споры, насколько тингатинга может именоваться народным искусством - если возникло всего лишь в середине прошлого столетия, насколько можно считать его традиционным – если первыми ценителями стали европейцы, насколько уместно именовать его наивным – ведь простота только кажется примитивной.

 

 

 

 

 

Афэуорк Тэкле

Афэ́уорк Тэ́кле (Афеворк Текле, англ. Afework Tekle, 22 сентября 1932 — 10 апреля 2012) — эфиопский скульптор, живописец, график и дизайнер. Первый африканский художник, получивший звание Почётного члена Академии художеств СССР (1983).

Работы в  жанре акварели, пейзажи, портреты-аллегории, иллюстрации к книгам и монументальные росписи. Известнейшая работа — Дом Африки в Аддис-Абебе, строительство которого велось с 1961 по 1963 год. Соединяя в своих произведениях монументальность композиции с интенсивной декоративностью колорита, художник создаёт живописные портреты-аллегории и пейзажи, акварели, книжные иллюстрации, обращается к оформительскому и монументально-декоративному искусству (витражи в Доме Африки в Аддис-Абебе, 1961—1963), занимается скульптурой (конный монумент раса Маконнена в Аддис-Абебе, бронза, 1960-е гг.).

Значительное  место в творчестве Тэкле занимает тема борьбы африканских народов за независимость.

Основные творческие работы А. Тэкле:

Цветные витражи для Дома Африки в Аддис-Абебе, монументальное полотно «Свобода Эфиопии» (6 частей, 1977—1979), стенная роспись «Победа Эфиопии» (1974, роспись в музее Эфиопского центра в Дебре Зайте), декоративная роспись собора Св. Георгия в Аддис-Абебе (фрески и мозаики), витражи для Военной академии в Хараре и бронзовый монумент в Хараре, композиция «Страшный суд» в соборе города Адиграта (Тиграй);

Cтанковые работы: «Африканское освободительное движение», «Основы африканской цивилизации», «Дух Африки», «Единство Африки», «Памятники африканской культуры», «Цветок мескаля», серия «Защитники страны», «Дань уважения Патрису Лумумбе из Конго» (1960), «Портрет Кваме Нкрумы — первого президента Ганы» (1963), «Стремление к высшему» (1975), «Труженицы Эфиопии» (1978), «Голуби мира», «Эфиопская Нефертити», «Портрет матери».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

3.1 Влияние искусства Африки на европейскую живопись.

Искусство в Африке –  посредник между миром реальным и миром ирреальным. Образы всегда символичны. Поющий петух на картине известного конголезского художника Готена (картины которого есть в каталогах Лувра), окрашенный в красные, синие, желто-коричневые цвета, символизирует течение времени. Каждый цвет на картине символичен. Символичны линии масок, изгибы скульптур. Африканские скульптуры в женских фигурах выражают идею плодородия, материнства.

«Открытие»  африканского искусства началось в  ХХ веке и продолжается сегодня. До этого колонизаторы сжигали африканские скульптуры, изображения богов, маски, фетиши. И только в 1919 году на выставке в Париже европейские художники испытали настоящий шок. Пабло Пикассо писал, что представленная на этой выставке африканская скульптура произвела впечатление разорвавшейся бомбы.

Африканское искусство  оказало серьезное влияние на А. Матисса, П. Пикассо, М. Вламинка, А. Дерена, а также на современную скульптуру, музыку, хореографию. Далее, общее влияние на живопись европейских художников, будут рассмотрены на примерах этих известных художников.

В ХХ веке начался  бум коллекционирования ритуальных масок и скульптур. Африканские  художники ответили тиражированием ритуальных образцов. Возникло так  называемое «аэропортное искусство», но и среди массы сувенирных поделок попадаются подлинные шедевры.

Сегодня в Африке развивается индивидуальное творчество, возникают художественные школы, как, например, Пото-Пото в Конго, Тингатинга в Танзании. Есть замечательные мастера  скульптуры и живописи, произведения которых украшают европейские и американские выставки и музеи.

Пабло Пикассо.

Пабло Пикассо  родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил  полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско  де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.

Но актуальнее будет рассмотреть его «африканский период». В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн, в итоге Пикассо сказал ей в ярости: "Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас". и оставил работу над портретом. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Пикассо требовались подтверждения его пути в общем развитии мирового искусства и новые впечатления для обретения новой творческой энергии и открытие наукой того времени целого пласта африканской культуры послужило толчком и для творчества художника. Особенно он интересовался африканской скульптурой и масками, он считал их наделенными магической силой и нашел в них чувственную простоту форм. Скорее всего, именно эти "африканские влияния" и определили окончательный вариант портрета.

 Одно из направлений, в котором начинает двигаться мастер, – это создание некоего идеограмматического письма (от «идеограмма» – рисунок, знак, или условное изображение, отражающий, символизирующий некую авторскую идею), языка знаков, основанного на древнем иберийском искусстве. Представляется закономерным то, что главной составляющей этой «речи» у Пикассо становятся изображения женских тел: подобно древним изваяниям, они и на полотнах художника начинают приобретать тайное, первоначальное, магическое значение. Наиболее популярное произведение «Африканского периода» художника – «Авиньонские девицы» (1907г., Музей современного искусства, Нью Йорк), а так же «Дриада».

Для работы с  натуры Пикассо берет традиционный, еще художниками Возрождения облюбованный мотив – «обнаженное женское тело в природе». Здесь следует отметить, что для написания «ню» (обнаженной натуры) художник располагал собственной мастерской – местом, где его модель могла быть статичной и где он мог законно и полностью властвовать над ней. Именно в мотиве купальщиц как символе естества и первозданности Пикассо усматривал ключ к решению поставленных перед собою сугубо художественных задач. Начиная с конца идеограмматического «Африканского периода» купальщицы неотлучно сопутствуют художнику на его творческом пути.

 Затем Пикассо  ступает на порог кубизма – его аналитической стадии, что и видно по манере, в которой изображены «Пять женщин в лесу» (1908 г.). Из материала среды слепленные, фигуры купальщиц – одно целое с природой настолько, что тонут, пропадают в ней. Использующий этот прием (прием-идею) Сезанна, Пикассо здесь словно бы «Сезанн в кубе» – то есть втройне Сезанн – ведь он цитирует последнего и с позиции геометрической трактовки формы, но при этом и выходит за границы метода, будто бы «сродняя» плоскости с пространством и делая фигуры условными.

 По этому  же принципу Пикассо вскоре  пишет «Две обнаженные фигуры (купальщицы)», 1908г. Упомянутый прием  доведен здесь до абстракции  и фигуры вовсе теряются на  полотне.

 Последовавший  за «кубизмом» так называемый  «классический» период творчества  художника, который некоторые  исследователи называют «энгровским» (1917-1925), так же «ознаменован» многочисленными  «купальщицами».

 Одно за  другим следуют произведения: «Купальщицы», 1918г., «Купальщица», 1919г., «Купальщицы, глядящие на самолет», 1920г., «Три купальщицы», 1920г. Пикассо делает множество зарисовок и этюдов этого мотива, применяя различную стилистику исполнения. Показательной, определяющей вектор работы художника на этом этапе является картина «Купальщицы», 1918 г.

 К тому  времени уже состоявшийся и  признанный мастер, открывший миру  кубизм и выход в абстрактную  живопись, Пикассо озадачил следивших  за его творчеством современников,  вдруг обратившись к классике. И тем не менее в этом есть своя логика и закономерность. Желание «оживить» классическую школу приобретенным «потусторонним» опытом – вот главная мотивация, которая видится в этом обращении. Вместе с тем Пикассо осознает всю несостоятельность этой школы, недейственность классического подхода в современной живописи, о чем и заявляет в своих новых «Купальщицах». Написанный под старину – лессировками и в скупом колорите, но при этом с неестественно изогнутыми, с вывернутыми ракурсами фигурами купальщиц, классический сюжет напоминает пародию. Картина кажется вот-вот рассмеется в лицо зрителю. Ломаная динамика движений непременно должна завершиться. И это происходит.

 «Купальщицы  с мячом», 1928 г. Гипертрофированные, до схемы упрощенные, три пляжные  грации кажутся вырезанными из картона. «Язык знаков», линия которого была начата художником в «Африканском периоде», находит свое воплощение. Пикассо на стадии сюрреализма. Именно в это время художник часто бывает на море и – пишет большинство своих «купальщиц». Но и потом – в послевоенные годы и в поздний период творчества – мастер не перестает возвращаться к своему излюбленному мотиву.

Матисс  Анри

Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский  художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро.

 Поиски непосредственной  передачи ощущений при помощи  интенсивного цвета, упрощенного  рисунка и плоскостного изображения  отразились в произведениях, представленных  им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В мастерской Анри Матисса появляются ученики из разных стран.